Un homenaje videográfico colectivo desde Granada al video independiente, artístico y de creación digital A Videographic Collective Tribute From Granada To The Independent, Artistic and Digital Video Creation
miércoles, 30 de noviembre de 2011
Marina Abramovic and Alba López Gijón
Vito Acconci and Miguel Angel Fuentes
Laurie Anderson and Antonio Cervera
Ant Farm and Diego Callejón de la Hoz
John Baldessari and José Antonio Salazar Ríos
Sadie Benning and Cristina Paqué Lozano
Sadie Benning comenzó a filmar a los quince años cuando su padre le regaló por navidad una Pixelvision, la cámara de juguete lanzada al mercado por la casa Fisher Prize a finales de los ochenta. Sus imágenes en blanco y negro de baja definición, altamente pixeladas, y enmarcadas por un recuadro negro se han convertido en seña de identidad de su obra. Sus vídeos se pueden concebir como un espejo ante el cual (re)presenta su identidad. Un espejo que, lejos de ofrecer una imagen veraz, unívoca y coherente de sí misma, le permite exponer y ensayar múltiples y posibles imágenes de un yo adolescente que se presenta como asertivo y resistente al mismo tiempo. Los primerísimos primeros planos de sus ojos o su boca, parecen replegarse sobre sí mismos, buscando la aprobación y el reconocimiento propio. Los sentimientos de la adolescencia (soledad, aislamiento, rechazo, rebeldía, necesidad de aceptación, y búsqueda de la propia individualidad), el relato de las primeras experiencias sexuales y la disidencia de los roles de género femeninos son los temas recurrentes en un corpus video gráfico de carácter autobiográfico.
Debido a que sus videos se basan en sentimientos donde se muestra como se siente, que quiere o que desea, en el video-homenaje se verán fragmentos de textos procedentes de un diario acompañados de música de piano intentando mostrar de una mejor manera posible las emociones, combinados a su vez con planos de la boca y de los ojos alternados con imágenes de una cajita de música que se mueve al compás de una bailaría que evoca recuerdos.
Dara Birnbaum and Jaime Vallejo Rueda
Robert Cahen and Adrián Amorós González
Jim Campbell and Fran Reyes
En mi vídeo adopto el “look” que no la técnica, de varias de las series de Jim Campbell el cual realiza una matriz de píxels con leds de color rojo de modo que cada led puede mostrar hasta 256 valores de intensidad, consiguiendo una imagen que sugiere pero muestra del todo.
Por mi parte consigo un aspecto formal similar tintando imágenes y utilizando máscaras en vídeo.
Con esta pieza quiero mostrar el momento de la formación de la propia creación audiovisual, el momento en el que empieza a tomar vida propia, el momento en el cual consolida su propia entidad y empieza a latir por sí misma. Justo el momento anterior a su publicación, exposición, distribución etc. cuando dejará de pertenecernos para tomar vida propia.
Daniel Canogar and Nicolás Medina
Daniel Canogar es un artista visual madrileño que trabaja tanto en el mundo de la fotografía, video, escultura e instalación, consistiendo la mayor parte de su trabajo en proyectos expuestos en diversos museos alrededor del planeta. En sus obras encontramos con frecuencia materiales electrónicos, cables, bombillas, cds y cintas de video, centrando la temática de su obra en la tecnología y su influencia sobre nuestra vidas. En base a las apreciaciones sobre su trabajo articulé una estructura con cds y metros de cinta de video con la intención de evocar el mundo multimedia de forma parecida a como podría encontrarse en un museo.
Jordi Colomer and Antonio Miguel Ropero
El video trata principalmente de mostrar como los empresarios y políticos corruptos hacen posible que los entornos naturales sean destruidos y el efecto que causan en el medio ambiente a costa del enriquecimiento de estos.
Chris Cunningham and Noelia Ruiz
Stan Douglas and Juan Fco de Dios
Marcelo Expósito and Angelo Cagnazzi
Fred Forest and Lucía Martín
Fred Forest (nacido el 6 de Julio de 1933 en Mascara, Argelia) es un artista francés de los nuevos medios de comunicación haciendo uso de vídeo, fotografía, prensa escrita, correo, radio, televisión, teléfono, la telemática y el Internet en una amplia gama de instalaciones, actuaciones, y las intervenciones públicas que exploran las ramificaciones y las posibilidades de espacio en los medios. Fue co-fundador del arte sociológico colectivo (1974) y de la estética de la Comunicación de movimiento (1983).
La comunicación estética afirma que la evolución concomitante de tecnologías de la comunicación y las estrategias en el arte se ha democratizado (y por lo tanto desmitificado) los medios de producción artística por lo que sustituye la función del arte como la producción de materiales con el propósito del arte como la interacción social: "Ahora el artista interviene directamente en la realidad, es decir, la lleva a cabo su simbólica y estética utilizando medios distintos a los que ha utilizado hasta ahora".
La relación de este vídeo con Fred Forest se halla en un video arte realizado por él mismo en el que aparecen cuatro personas en la puerta del MOMA (Museum of Modern Art) colocadas en forma de cuadrado constituyendo ellos las esquinas del mismo y una persona mide la distancia entre ellos para mostrar lo que sería un metro cuadrado. Es su forma de llevar un arte diferente a la calle. De esta manera se puede entender como otro tipo de arte el que se practica en la calle como ilustra mi vídeo, incluyendo mediciones como símbolo de homenaje al autor seleccionado.
Ingo Günther and Silvia Suarez Perez
Ingo Günther es artista alemán que trabaja con el vídeo y las nuevas tecnologías, demostrando una voluntad crítica en todas sus obras. Nacido en 1957 en la ciudad de Dortmund, Alemania.Sus primeras obras escultóricas con vídeo llevaron a más proyectos periodísticos orientados a que haya ejercido en televisión, medios impresos y el campo del arte. En su calidad de artista, corresponsal y escritor, ha trabajado extensamente con la televisión japonesa (NHK), que abarca temas que van desde los estudios de medios militares para technology.
“Thank You-instrumento(1995)” es una obra de la participación a pesar de que no pide nada específico de nosotros. Usando una luz que graba la silueta del visitante temporal en la pared de la galería, los espectadores tienen el privilegio de ver su propia sombra congelado en el tiempo real, mientras que ellos son libres a caminar a su alrededor y jugar con él. Tan juguetona como es, sin embargo, este trabajo intencionalmente fomenta pensamientos de la bomba atómica detonó sobre Hiroshima en 1945 donde el destello de la explosión grabado sombras de las víctimas en las paredes. Espectacular esta instalación puede ser, pero esta separación de nuestra propia sombra con un tema que también la novela sostiene Haruki Murakami “Hard Boiled Wonderland y el fin del mundo " alude a la de mostrar la dependencia de nosotros.
En el Parque de las Ciencias es un museo interactivo, de más de 70.000 m2, situado a escasos minutos del centro histórico de Granada con una de las ofertas más variadas de ocio cultural y científico de Europa. Percepción es una Sala vinculada al mundo de los sentidos. Contiene diversas experiencias con Luz y Sonido y sobre la relación de estos fenómenos con la forma que tenemos de percibirlos. Comprender la naturaleza de la luz, las características físicas de lentes y espejos, la reflexión y refracción, etc. Otros módulos están dedicados a conocer mejor la forma en que nuestros sentidos y cerebro interpretan el mundo que nos rodea.
La relación de módulos: ¡Detén tu sombra! es elegido para hacer el clip con 52 segundo. Un joven con 4 sombras negros en el pared verde y con flash o luz sale su sombra del cuerpo.
Joe Gibbons and Joaquín David Garrido Parrilla
Michel Gondry and Laura Egea
Gondry es uno de los últimos artesanos del cine. Mezcla muchas técnicas, pero lo más meritorio es su utilización del stop motion integrado y con éxito en sus films. Gondry ha trabajado en publicidad, videoclips, y cine. Con éxito en todas las áreas. Sus temáticas son muy variadas, pero los sueños, la imaginación, y lo onírico está presente siempre. Famoso por sus trucajes cnematográficos, Gondry juega con la perspectiva de un modo clásico pero que actualmente se considera rompedor por el desuso en el que ha caído debido a las nuevas tecnologías.
Filmografía (Wikipedia):
Master of Space and Time (2011)
The Green Hornet (El Avispon Verde, 2011)
Le'épine dans coeur (2009) (documental sobre su tía Suzette, profesora de 80 años)
Tokyo! (2008), fragmento de Interior design, co-dirigida con Léos Carax y Bong Joon-ho
Be Kind Rewind ("Rebobine,por favor" titulada en España y en Hispanoamerica "Rebobinados",2008)
La science des rêves (La ciencia del sueño, 2006)
Dave Chappelle's Block Party ("La fiesta del barrio de Dave Chappelle", 2005)
Eternal Sunshine of the Spotless Mind (¡Olvídate de mí! en España y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos en Hispanoamérica, 2004)
Para mi video elegí el stop motion, con lo que ello requiere (decorado, personajes..), y al pensar qué puede haber en mi cabeza pensé que estoy muy loca, y mi adoración por el expresionismo alemán hizo lo demás. En cuanto a la temática es cinematográfica y freudiana porque creo que es lo que más me representa.
Dan Graham and Ana Valdivia Cano
Jenny Holzer and Elisabet García
Pierre Huyghe and Julio Carreras Díaz
Pierre Huyghe es un artista francés que bastante le debe a Maurice Maeterlinck, principal exponente del teatro simbolista. El punto fuerte de Huyghe son los experimentos tecnológicos, tras los que se esconde una preocupación fundamental por los enigmas que despiertan la imaginación. Pierre Huyghe no está especializado en el campo del video arte y por eso su obra no es demasiado extensa. Su obra de videoarte más conocida es ‘One Million Kingdom’, una animación que forma parte de un proyecto mayor llamado ‘No ghost just a shell’ y que muestra a un personaje femenino casi infantil y transparente llamado Annlee recorriendo un paisaje futurista de montañas, cráteres e icebergs que suben y bajan en un movimiento sincronizado con las ondas acústicas del narrador. Con esta obra, Pierre Huyghe reflexiona sobre el vacío semántico de los signos en la era digital debido a su sometimiento a un proceso de reproducción ilimitada. Mi aportación pretende es una metáfora sobre los vicios y el hecho de que nos afecten a nuestra forma de vivir, a nuestro tiempo y a nuestra “libertad individual”. Dicha obra está ligada a la de Huyghe en forma, tomando su idea de hacer que la imagen interactúe con el narrador, con cada uno de sus golpes de voz.
Guerrilla Television and Carlos Cervera
Dee Dee Halleck and Cristina Aguilar
Dee Dee Hallec es una activista de los medios de comunicación; sin duda una de las personas más importantes en este terreno, que ha estado presente en casi todos los proyectos que han sido relevantes (Paper Tiger TV, Deep Dish Tv...). Siempre ha estado activa y en pie de guerra por los derechos de emisión, la libertad de expresión y, sobre todo, por la realización independiente y autónoma de material audiovisual pensado, realizado y producido por los movimientos sociales. Se podría decir que Dee Dee, de alguna manera, representa un puente que une a la nueva generación de videoactivistas con la experiencia del pasado, pues casi a sus 70 años, sigue activa, muy activa.
Es fundadora de Paper Tiger Television, cadena que significó para el videoactivismo un modelo teórico y práctico muy influyente, a través de los canales de televisión por cable de libre acceso y eventualmente vía satélite.
Paper Tiger Television empezó en 1981 como un programa semanal por cable en el que se criticaban los medios de comunicación de masas. Lo producía un enérgico grupo de videoactivistas, entre ellos Dee Dee, para el canal de acceso libre de Nueva York. Alimentándose de las aspiraciones más radicales de lo que se conoció como " Guerrilla television", Paper Tiger Tv creó su propia, desenfadada y autóctona estética, demostrando que la energía, el talento, unos recursos limitados y el acceso libre eran suficiente para crear una televisión revolucionaria. El resultado fue una de las experiencias televisivas más creativas, excitantes y radicales que han existido.
Precisamente esta estética es la que he elegido para llevar a cabo mi aportación, utilizando uno de los temas por los que más han luchado, tanto Dee Dee como esta cadena; la libertad de expresión.
Cristina Aguilar Navarro.
Gary Hill and Irene Parrilla Vallespín
Por otro lado, una característica de la obra del autor es que suele estar de alguna manera interrumpida por la naturaleza de la tecnología. Es decir, sus imágenes son a veces borrosas y fragmentadas, por eso en el presente homenaje los planos se ven a menudo influidos por aberraciones visuales. Otra tendencia suya, es la de escalar, dividir y reservar los planos, construyendo focos de atención que refuerzan la narración auditiva. Este último aspecto es el más perceptible en el video homenaje, ya que los planos se recomponen geométricamente, para crear un ritmo visual concreto.
Spike Jonze and Samuel Salazar
"Generalmente, un vídeo no quiere decir nada, sólo recrea un estado de ánimo", dice Jonze.
Analizando videos realizados por Spike Jonze he notado que en muchos de ellos aparecen animales: perros, gatos, ratones, etc. Tiene una tendencia a personificar animales como le pasa en los videoclips de la historia de un hombre-perro por las calles de Nueva York para Da Funk, de Daft Punk, o "Triumph Of A Heart" de Björk.
Spike Jonze tiene cosas en común con Michael Gondry y Chris Cunningham.
Los vídeos musicales de Spike Jonze, Michel Gondry y Chris Cunningham lograron convertir en menos de una década un género desprestigiado en un lenguaje propio.
"La increíble imaginación de Grondy: él es técnicamente muy sofisticado y complejo pero con el mundo abstracto de un niño. Su madre es pintora y su padre inventor, Michel tiene un mundo muy creativo","De Chris [Cunningham]", continúa Jonze, "siempre me ha gustado su sentido del humor, estilizado y sencillo", dice Jonze en una entrevista que le hicieron. Supongo que de ahí que muchos animales salgan en sus videos personificados.
El sentido de este video es hacer sentir al espectador algún tipo de sentimiento. El video comienza de manera triste y melancólica pero al tiempo que pasa pues se va sintiendo mejor. El sentido de los peluches en lo alto del sofá es porque quería poner animales como perros o gatos pero no he podido.
Sandra Kogut and Rosario López López
Barbara Kruger and Emilie Bellia Palomares
Shigeko Kubota and Javier Granados Cabeza
- “Vagina Paiting” (1965), presentada en el “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.
- Allan 'n' Allen's Complaint con Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1982, 28:33, color, sonoro
- April is the Cruelest Month, 1999, 52 min, color, sonoro
- “Europe on 1/2 inch a day” (1972), 30:48 min, byn y color, sonoro
- George Maciunas With Two Eyes 1972, George Maciunas With One Eye 1976, 1994, 7 min, byn, sonoro
- “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) 28:27 min, byn y color, sonoro
- Media Shuttle: Moscow/New York con Dimitri Devyatkin y Nam June Paik. 1978, 28:11 min, byn y color, sonoro
- Merce by Merce by Paik, Nam June Paik. en colaboración con Charles Atlas, Merce Cunningham, y Shigeko Kubota, 1978, 28:45 min, color, sonoro
- Merce by Merce by Paik Part Two: Merce and Marcel, Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1978, 13:05 min, color, sonoro
- My Father, 1973-75, 15:24 min, b&yn , sonoro
- Rock Video: Cherry Blossom, 1986, 12:54 min, color, silencio
- Sexual Healing, 1998, 4:10 min, color, sonoro
- SoHo SoAp/Rain Damage, 1985, 8:25 min, color, sonoro
- The Last Videotapes of Marcel Duchamp, con John Sanborn 1976, 32:03 min, byn y color, sonoro
- Tiger Lives con Nam June Paik, 1999, 45 min, color, sonoro
- Trip to Korea, 1984, 9:05 min, color, sonoro
- “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973), 31:56 min, byn y color, sonoro
- Video Installations 1970-1994, 1994, 19:47 min, color, sonoro
- Winter in Miami 2005, 2006, 14 min, color, sonoro
- You Can't Lick Stamps in China colabora con Nam June Paik y Gregory Battcock 1978, 28:34 min, color, sound
- “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).
Mari-Jo Lafontaine and Gádor López
Jana Leo and Víctor Rodríguez
Jana Leo nació en Madrid en 1965. Vive y trabaja entre Nueva York y Madrid. Da clases de Conceptos de arte, arquitectura y estética en la Cooper Union University en Nueva York. Desde hace 15 años trabaja en escritura, video, cine y fotografía con una trayectoria polémica pero exitosa.
Mi proyecto se centra en la sexualidad, la cual Jana Leo utiliza para profundizar en la personalidad del individuo. He recreado dos situaciones de alto nivel sexual entre personas homosexuales y heterosexuales para intentar expresar como, sin importar nuestra orientación sexual, el sexo es un método imprescindible de relación interpersonal en el cual los rasgos más profundos de nuestra personalidad quedan expuestos. Me ha parecido muy interesante el conflicto que el trabajo de Leo ha generado entorno a la difusa la línea que separa arte y pornografía en algunos casos, aunque he pretendido centrar mi trabajo en la fuerte carga de gestos, lenguaje corporal y visual; en definitiva, de comunicación no verbal que desplegamos durante las relaciones sexuales.
Mi principal objetivo es, por tanto, que quién vea este vídeo no se sienta impactado por las imágenes, si no que se involucre de manera estática en la intimidad al desnudo de estas personas, sintiéndose identificado con dicha intimidad.
Steve McQueen and Leticia Marín García
Steve Mcqueen, Nacido en Londres en 1969, estudió en el Chelsea School of Art y en el Goldsmiths College. Actualmente vive y trabaja en Amsterdam. Su obra ha podido verse en las grandes citas del arte contemporáneo, dn exposiciones en los grandes centros como el MoMA, la Kunsthalle de Viena, el art Institute de Chicago o el Musèe d"Art Modern de la Ville de Paris.
Su lenguaje se configura como una estructura quebrada, una ruptura de las leyes tradicionales de la edición para alcanzar plena libertad con la cámara. Desde muy pronto entendió que el lenguaje cinematográfico, cámara en mano, debía incorporar el carácter fragmentario de la mirada, esto es, capturar la fugacidad, el instante, lo que no vemos, lo casual y lo incierto. "Hay que perder el control para tenerlo todo bajo control", dijo una vez.
Ha trabajado con blanco y negro, especialmente al principio de su trayectoria, y en color. Esta lectura quebrada se sitúa en un plano paralelo al funcionamiento de la memoria en los seres humanos. Pero sobre todo se trata de romper radicalmente la secuencia narrativa tradicional. El espectador, por tanto, se encontrará más de una vez expuesto, inmerso en un mar de dudas en el que será necesaria su interpretación. El lenguaje de McQueen puede ser en ocasiones críptico por ese lenguaje fragmentario que aporta escasas pistas al espectador.
En mi videoart he querido reflejar esos instantes de una persona con inseguridad en la vida misma, a través de contrastes entre el negro, el rojo y el blanco; la vida y la muerte; siendo su vida una pasión por su gato; los guantes negros representan el repelús a la vida y también el amor hacia su gato y el querer ser similar a él . He jugado con el cambio de la narrativa audiovisual tradicional y hay retrocesos, dando pistas al espectador porque la interpretación no es única..
Ana Mendieta and Alejandro Roca
Ana Mendieta fue una artista cubana que desde muy pequeña se vio obligada a exiliarse de su país natal y poner rumbo a otro país por culpa de la dictadura castrista. Sus vídeos, performances y arte en general fueron un reflejo de la nostalgia y el añoro por volver a su tierra y sus raíces. Su inspiración partían de las formas y cuerpos femeninos mezclando sus propias siluetas con elementos de la madre tierra como el fuego, piedras, hierba. Este video es un pequeño guiño a esta artista donde las raíces y la nostalgia por el lugar donde crecí y jugué serían los principales en la inspiración y el resultado final. El tiempo pasa y el mismo lugar da paso a nuevas generaciones que inevitablemente también lo verán pasar.
Antoni Muntadas and Carlos Rubio
Bruce Nauman and Luis Miguel Zarzo Escabias
Shirin Neshat and Cristóbal Quesada
PRESENTACIÓN DEL ARTISTA:
Shirin Neshat (*26 de marzo de 1957, Qazvin, Irán) es una artista visual iraní residente en Nueva York conocida por sus instalaciones en video, film y fotografia.
Nacida en una pudiente familia iraní, su padre un conocido medico, asistio a la escuela católica en Teherán y posteriormente en la escuela de arte de Los Ángeles. Luego de la Revolucion Islamica de Iran, se establecio en San Francisco cursando en la Universidad de Berkeley.
Su obra se refiere a la mujer en la sociedad islamica en su contexto social, politico y psicologico preferentemente en formato de video como Anchorage (1996) Shadow under the Web (1997), Turbulent (1998), Rapture (1999) y Soliloquy (1999).
TEXTO:
He intentado coger la esencia del mensaje de la autora, la mujer en el mundo islámico, y he añadido también un hombre tapándolo también con burka para igualar a ambos sexos y poder darle a la mujer un cierto toque de ibertad dejándola llevar la espalda descubierta creándose una sensación de feminidad en los dos individuos. Todo esto contextualizado en una ciudad árabe y cristiana como es Granada.
Yoko Ono and Joaquín García
En este pequeño homenaje videográfico colectivo desde Granada al video independiente, artístico y de creación digital, por mi parte, lo he querido realizar sobre la obra artística de la gran Yoko Ono.
Mi pretensión ha sido la de mostrar uno de los temas que ella trataba en sus obras de arte, en concreto, el vídeo arte (recordemos cortos como Freedom o Cut Piece, entre otros). No obstante, Yoko Ono a través de su obra artística nos mostraba una variedad de temas como la libertad de pensamiento, la lucha contra el racismo, el sexismo o la homofobia, por lo que me ha sido difícil elegir uno sólo para poder rendirle su merecido homenaje.
Sin embargo, al final he optado por representar la paz con este microfilm y que ella tanto ha promulgado, tanto sola como con su último marido, John Lennon. Es un reto difícil mostrar con un corto de tan escasa duración lo que es la paz, pero no imposible. Por eso, tras meditar sobre una idea que ya tenía en mente, me decidí a salir a las calles del lugar donde vivo, un pequeño pueblo llamado Güevéjar que se encuadra en la Vega de Granada, e hice varios vídeos.
De los vídeos que grabé, el que he escogido para este homenaje fue justamente el primero que hice sentado desde un banco de la plaza del pueblo, en el cual hago un barrido con la cámara de vídeo y muestro lo que vería cualquier persona con sus ojos, es decir, se muestra una plaza donde la gente mayor llega y se junta a hablar y donde los niños pueden ponerse a jugar sin ningún tipo de problema. Nos encontramos ante la paz, una sensación que día a día deseamos y que con un simple vistazo a nuestro alrededor vemos.
Orlan and Estelle Gehin
Tony Oursler and Marja González
Tony Oursler es un videoartista neoyorkino que para sus obras usa maniquíes o muñecos, solitarios o desdoblados, meros moldes de ropa o jirones de cuerpo: sobre todo cabezas, estas hablan y hablan.
Nam June Paik and Matías Lallave Vázquez
Nam June Paik es considerado por muchos como el padre del video-arte. De formación musical y artística, este autor sintió fascinación desde el primer momento por la estética de la imagen combinada con el sonido, y lo que de forma sugerente y subjetiva ambas podían expresar. El uso de la música electrónica y de instrumentos novedosos como los sintetizadores eran la base de sus primeros trabajos.
Antonio Perumanes and Antonio A. Romero Melero
El video arte "Hora fatal" de 52 segundos de duración, está inspirado en la obra de Antonio Perumanes. Evoca a uno de los temas más recurrentes del autor, la muerte. Además utiliza como recursos técnicos la yuxtaposición de imágenes en principio inconexas y metafóricas que irán cobrando sentido a lo largo de la pieza videográfica.
En el video, la muerte se representa como el final de una realidad, una realidad que está en devenir. En esta realidad nada es estático, todo fluye como una corriente dinámica otorgándole un carácter efímero a cada instante de dicha realidad. Algo es ahora, pero dejará de serlo instantáneamente después, para pasar a ser otra cosa.
He querido representar esta percepción de dos formas diferente, por un lado a través del tiempo utilizando imágenes y sonidos de relojes ya que desde mi punto de vista es algo que va muy ligado a esta idea; y por otro lado la he querido representar como una escalera descendente en la que cada peldaño representa un instante distinto al anterior.
Fabrizio Plessi and Álvaro López
Steve Reinke and Jesús Fernández Viúdez
Steve Reinke nació en 1963 en Ontario (Canadá) y es un escritor y artista que es conocido principalmente por sus vídeos que lleva realizando desde inicios de los años 90, y que hoy en día aún continúa desarrollando y exponiendo en algunos de los museos más prestigiosos del mundo como el MoMA (New York) o el Centre Pompidou (París) o incluso en festivales de cine independiente como el de Sundance o el de Rotterdam. La mayoría de sus trabajos tratan de psicoanalizar al espectador y a sí mismo, pero también abarca los tópicos de los seres humanos, -su comportamiento, sexualidad…- o sobre cómo observa la cultura pop desde su prisma particular. En su obra es característico ver plasmada su experiencia en primera persona mediante la imagen y la narración directa, dándole así un toque autobiográfico y único a sus creaciones.
Para este vídeo-homenaje he fusionado 2 de sus creaciones: “Ask the insects” (2005) y “Anal masturbation and object loss” (2002), dándoles un sentido autobiográfico ficticio que evoca desde una perspectiva figurada la madurez de la persona, el autodescubrimiento personal y el final de la vida. Por último le he dado un toque personal al vídeo con una narración más dramática, un pequeño elemento subliminal casi imperceptible y he querido dejar el final de la pieza en suspenso, para intrigar en cierta medida a los espectadores que estamos menos habituados al visionado de videoarte y motivar el interés por la pieza.
Pipilotti Rist and Candela Caballero
Los videos de Pipilotti Rist están llenos de cambios de color, velocidad y diversos sonidos. Las temáticas predilectas de Rist son la vivencia de género, la sexualidad y la corporeidad humana. A diferencia de otros videastas de su generación, Rist, en varias de sus obras, transmite sencillez y felicidad. Si bien al principio se la catalogó como una artista inscrita en el discurso del feminismo, hoy se ha superado esta interpretación y los trabajos de esta suiza admirable se exponen en los más importantes museos y galerías de todo el orbe. La obra de Pipilotti Rist, altamente lúdica y poética, expone una de las propuestas de arte contemporáneo más originales y profundas, con una capacidad notable para trastocar las nociones convencionales de temporalidad, espacio y cotidianidad. Sus videos hacen del cuerpo, del deseo, de lo sexual, de lo fluido, del movimiento y de la música, su leitmotiv.
Le da una gran importancia a la música en sus videos usando música experimental que compone ella misma, yo he usado “Walk on the wild side” de Lou Reed porque me ha parecido la más adecuada por su simplicidad tanto instrumental como vocal. Como amante de las pequeñas cosas que me considero, el uso del plano detalle ha sido mi prioridad para este trabajo, y ya que Pipilotti hace uso de los cambios de tiempo, he aprovechado para detallar desde los movimientos de las grietas cuando unos labios se aprietan hasta la textura de un yogurt bien agitado para encontrarnos con el contraste de colores que pertenecen a la misma gama: el carmesí y el rosa palo. Pretendo mostrar como cosas insignificantes pueden hacer disfrutar a la vista (y al tacto).
Martha Rosler and Malva Rodríguez
Toni Serra and Ángela Molina
Brian Springer and Alberto Suárez
GLUM TETRIS
Brian Springer es un director, productor y videoartista americano nacido en 1959. En su corta producción sus trabajos han sido proyectados desde una perspectiva alternativa. Para cumplir con su espectativa Brian ha realizado diversos trabajos entre los que destaca Spin, un estudio a modo documental sobre la hipocresía televisiva y la manera de "maquillar" a los políticos durante la campaña presidencial para comercializar la buena imagen política.
En el videoarte realizado se expone en cierta manera la hipocresía en la que la sociedad actual vive, en este caso, basado en la sobrealimentación y desnutrición con cierto tono tetricista.
Steina Vasulka and Antonio José Muñoz Álamos
Tanto Steina como Woody, su marido, son considerados pioneros en el desarrollo de las artes electrónicas. En 1970 fundan “The Kitchen”, centro de exhibiciones y centro experimental de las artes.
Bill Viola and Pilar Quesada
Wolff Vostell and Pablo Alameda Galán
Wolf Vostell, preocupado por la evolución tecnológica y social, argumenta con sus obras las nuevas plagas que nos venían encima, entre sus obras encontramos como lo mecánico supera la naturaleza humana hasta anularla, “lo que sucede” da nombre a sus obras que con la aparición de un “nuevo lienzo” como las pantallas de televisión evolucionó, proporcionando a Vostell un lenguaje poco explorado hasta la fecha.
Sin embargo, el extremo al que hoy han llegado los medios de comunicación pasará desapercibido para este artista fallecido en 1998, y este es el punto de partida de la intencionalidad del video “Wolf Vostell and Pablo Alameda”.
Sin introducir elementos demasiado nuevos respecto al artista Alemán, lo material deja paso al simbolismo de un protagonista “la televisión como cabeza pensante”, que se apodera cada vez mas del individuo y se extiende como un virus por la sociedad, la unión de estas dos partes “alma” y “cuerpo” consiguen crear un estado de paz por el cual la capacidad de reacción ante “lo que esta pasando” es nula.