miércoles, 30 de noviembre de 2011

Marina Abramovic and Alba López Gijón






Marina Abramovic es una artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70, pudiéndose catalogar como la "Abuela del arte de la performance". Desde esa década, Abramovic busca la provocación con performances extremas en las que supera con creces su capacidad corporal; en ellas confronta al público con la presencia de su cuerpo desnudo, se autolesiona con cuchillos o crea situaciones en las que el observador está expuesto durante horas a la presencia estática de la artista. Es, en esta última característica de las performances de Marina Abramovic, en la que me he inspirado para realizar < me & the reality >. A pesar de su breve duración, ya que según el trabajo de Abramovic el tiempo debería de haber sido mucho más extenso, he tratado de establecer un diálogo energético con los espectadores, a través de la experiencia personal del cuerpo, tratando de indagar en los límites de la resistencia moral y física, reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente.Por otra parte, destacar que < me & the reality >, está basado en la estructura conceptual de las performances de Abramovic, mientras que la composición visual, se encuentra concebida por inclinaciones propias. 

 < me & the reality > 

Nos encontramos inmersos en una sociedad en la que reluce como normal general el no cultivo de creencias y valores, carente de capacidad crítica, la cual recibe con una conformidad exagerada cualquier tipo de emisiones banales, desprovistas de contenidos sustanciosos. Es por ello, que las productoras crean lo que crean: el vacío de la nada.

Vito Acconci and Miguel Angel Fuentes






Vito Acconci nace en Nueva York, en el barrio del Bronx, en 1941. Su obra, de carácter poético, se convierte en un precedente dentro del arte conceptual de la performance y el videoarte. La obra de Acconci se mueve en diferentes direcciones, pero siempre busca un espacio propio donde transmitir su controvertida realidad poética. En las primeras experiencias mediáticas, a principios de los años setenta, Acconci analiza las ventajas de la grabación de sus performances como un potencial que permite examinar la propia experiencia, al tiempo que convoca a la audiencia a ser confidencialmente partícipe de ellas.

El video hace referencia a este video artista en su estilo, tosco y poco elaborado. La temática relacionada con la masturbación también está íntimamente relacionada con Acconci. Esta pieza trata de criticar el onanismo artístico en el que caen muchos autores, que buscando el arte más alternativo, terminan cortando el vínculo con el público y sólo crean obras para ellos mismos. 


Laurie Anderson and Antonio Cervera




Conocida como “la juglar tecnológica”, Laurie Anderson es, ante todo, una compositora de música vanguardista. Sin embargo, ésta no es su única ocupación, y si por algo se caracteriza es por ser polifacética: cantante, violinista, videoartista, creadora de performances, poetisa, bailarina, escultora… son solo algunos de los calificativos que puede recibir esta artista. Su música se caracteriza por su carácter electrónico, su minimalismo, su experimentación, su combinación con otras artes (lenguaje, vídeo, danza, etc.), y su relación con las nuevas tecnologías. Pretende criticar la civilización occidental en su conjunto. Entre sus mayores ideales se encuentra la idea de que el arte es andrógino: ni masculino ni femenino. Solo Arte (en mayúsculas).

Con mi videoarte, pretendo mostrar el proceso de creación de la música en sí misma, entendida como Arte. Para ello muestro una partitura con una melodía, que luego se desarrollará en un piano, en un ordenador, y en la propia voz humana. Se nos muestra de esta manera el proceso que puede seguir una idea simple, que se desarrolla en diferentes formas y medios. Sin embargo, en este proceso nada está dentro de lo corriente. A la partitura (símbolo de la música más académica y tradicional) se le da la vuelta, estableciendo una analogía con el concepto de Laurie Anderson de querer dar la vuelta al concepto de música en sí. Piano y ordenador aparecen con colores extraños, alejados del concepto tradicional de música y sumiéndonos en un ambiente futurista y electrónico. Por último, los labios a medio pintar, junto con un poco de barba, y una voz distorsionada (no se sabe si de hombre o mujer), rinden homenaje al concepto andrógino del arte de Laurie Anderson.


 



Ant Farm and Diego Callejón de la Hoz




El grupo Ant Farm, fundado por Chip Lord y Doug Michels en el año 1968 en San Francisco (California; Estados Unidos), realizó una serie de vídeos artísticos que simbolizaban una crítica a los medios de comunicación de masas y una defensa de la subversión contra la ideología de la nueva cultura mediática de los años sesenta y setenta. De este modo, Ant Farm, comprendía el ´pop art’ en todas sus manifestaciones y atacaba cualquier tipo de imposición arrogante, incluyendo la del poder político. En definitiva, este grupo artístico, también muy destacado por sus creaciones arquitectónicas, está considerado uno de los primeros colectivos de artistas que hicieron de la sátira cultural una herramienta de provocación, expresando mediante sus vídeos una feroz crítica al exagerado dramatismo y patriotismo de la cultura de masas americana y de los medios de comunicación en general.
Mediante el vídeo realizado se pretende homenajear a Ant Farm tomando como referencia algunas de sus características creativas. Por ello, el vídeo comparte con el citado colectivo una crítica directa a los medios de comunicación, al poder político, al patriotismo y a la dramatización mediática. Otro punto de unión entre el vídeo aportado y el grupo Ant Farm puede encontrarse en la creación, utilización y filmación de elementos arquitectónicos, así como en la referencia indirecta (con la aparición de un astronauta parodiador) y directa al propio vídeo de Ant Farm “Media Burn”, en el cual está principalmente inspirado el homenaje audiovisual. Como aportaciones propias del autor destacan la continua referencia a las hormigas como símbolo de putrefacción (en este caso, como putrefacción de los medios de comunicación masivos) y como juego de palabras/imágenes con el nombre del colectivo Ant Farm (Granja de Hormigas). Otras aportaciones del autor serían la inclusión de la música (elemento no utilizado por Ant Farm) y el montaje acelerado.

John Baldessari and José Antonio Salazar Ríos


"Quería repensar que era el arte, ya que lo había repudiado tal y como se enseñaba, y llegué a la conclusión de que el arte era cualquier cosa que yo quisiera siempre y cuando consiguiera que alguien se lo creyera." John Baldessari

El artista californiano, John Baldessari, es uno de los creadores más influyentes del siglo XX y su huella ha quedado sobre la obra de varias generaciones de artistas. Harto de disquisiciones sobre lo que es Arte y lo que no lo es, Baldessari pintó sobre fotografías una mano que señalaba hacia cualquier cosa, aludiendo a una crítica en la que se afirmaba que el arte conceptual consiste en señalar.

En este video (Life is art) se ha intentado adoptar el espíritu del famoso 'I am making art' de 1971, en el que Baldessari mueve sutilmente varias partes de su cuerpo con gran torpeza, mientras recita esta frase en una repetición sin fin. De este modo, Baldessari parece cuestionar esa ley no escrita que determina qué es arte y qué no lo es, dándonos a todos la maravillosa posibilidad de creer que también nosotros, sin formación y sin instrucción, podemos hacer algo que merezca ser llamado arte.

Sadie Benning and Cristina Paqué Lozano



Sadie Benning comenzó a filmar a los quince años cuando su padre le regaló por navidad una Pixelvision, la cámara de juguete lanzada al mercado por la casa Fisher Prize a finales de los ochenta. Sus imágenes en blanco y negro de baja definición, altamente pixeladas, y enmarcadas por un recuadro negro se han convertido en seña de identidad de su obra. Sus vídeos se pueden concebir como un espejo ante el cual (re)presenta su identidad. Un espejo que, lejos de ofrecer una imagen veraz, unívoca y coherente de sí misma, le permite exponer y ensayar múltiples y posibles imágenes de un yo adolescente que se presenta como asertivo y resistente al mismo tiempo. Los primerísimos primeros planos de sus ojos o su boca, parecen replegarse sobre sí mismos, buscando la aprobación y el reconocimiento propio. Los sentimientos de la adolescencia (soledad, aislamiento, rechazo, rebeldía, necesidad de aceptación, y búsqueda de la propia individualidad), el relato de las primeras experiencias sexuales y la disidencia de los roles de género femeninos son los temas recurrentes en un corpus video gráfico de carácter autobiográfico.
Debido a que sus videos se basan en sentimientos donde se muestra como se siente, que quiere o que desea, en el video-homenaje se verán fragmentos de textos procedentes de un diario acompañados de música de piano intentando mostrar de una mejor manera posible las emociones, combinados a su vez con planos de la boca y de los ojos alternados con imágenes de una cajita de música que se mueve al compás de una bailaría que evoca recuerdos.

Dara Birnbaum and Jaime Vallejo Rueda

Dara Birnbaum, usa el video para reconstruir las imágenes de televisión utilizando como material arquetípico formatos como concursos, telenovelas, y programas deportivos. Sus técnicas implican la repetición de las imágenes y la interrupción del flujo de texto y la música. También es conocido por formar parte del movimiento de arte feminista. A pesar de ser mas conocida por sus obras cuyas características se acaban de describir, muestra de ello es su obra mas conocida Technology/Transformation: Wonder Woman. Pese a esto, en otras de sus obras no hace un uso directo de material televisivo, aunque si intenta relacionar su contenido con los medios de comunicación haciéndolo de una manera diferente, juega con la expresión de sentimientos, principalmente de la mujer. Este “juego” con la expresión de ciertos sentimientos y/o expresiones de emotividad o afecto quedan reflejadas con el juego de primeros planos que la artista realiza en muchos de sus videos, un ejemplo de lo citado es el de Damnation of faust: Evocation, video perteneciente a una de sus trilogías. Por lo tanto, mi video homenaje a Dara Birnbaum centrará su relación con la misma en la expresión de sentimientos y sensaciones como el miedo, incertidumbre, fobia, agobio, sentirse solo entre “la nada”, y la más importante y relacionada con Damnation of faust: Evocation, el arrepentimiento. La idea principal que pretende mostrar el personaje reflejado en la obra es el miedo a enfrentarse a una realidad, como son las diversas circunstancias que van apareciendo en la vida para las que realmente se encuentra preparado, pero se achanta ante diversos miedos por los que se encuentra dominado. Por último, podríamos establecer una comparativa en la que se podría interpretar que los medios de comunicación juegan el papel del diablo y/o de su súbdito y las personas, en este caso, el personaje que aparece en el video ejercen el papel de Fausto.

Robert Cahen and Adrián Amorós González


Robert Cahen es uno de los pioneros del videoarte y uno de los autores más importantes dentro de este género. Cahen no solo busca los misterios y posibilidades que ofrece el videoarte, sino que además les incluye un punto narrativo en sus obras. Su producción es muy amplia y abarca desde paisajes y personas hasta formas surrealistas.
En este vídeo he querido homenajear a algunas de sus creaciones más famosas, utilizando algunos de los puntos de vista que Cahen usa, sin caer en una total similitud. En él he utilizado también algunos elementos que Cahen usa, como es el desenfoque de lente, los cambios de color y los paisajes solitarios.

Jim Campbell and Fran Reyes




En mi vídeo adopto el “look” que no la técnica, de varias de las series de Jim Campbell el cual realiza una matriz de píxels con leds de color rojo de modo que cada led puede mostrar hasta 256 valores de intensidad, consiguiendo una imagen que sugiere pero muestra del todo.

Por mi parte consigo un aspecto formal similar tintando imágenes y utilizando máscaras en vídeo.

Con esta pieza quiero mostrar el momento de la formación de la propia creación audiovisual, el momento en el que empieza a tomar vida propia, el momento en el cual consolida su propia entidad y empieza a latir por sí misma. Justo el momento anterior a su publicación, exposición, distribución etc. cuando dejará de pertenecernos para tomar vida propia.

Daniel Canogar and Nicolás Medina





Daniel Canogar es un artista visual madrileño que trabaja tanto en el mundo de la fotografía, video, escultura e instalación, consistiendo la mayor parte de su trabajo en proyectos expuestos en diversos museos alrededor del planeta. En sus obras encontramos con frecuencia materiales electrónicos, cables, bombillas, cds y cintas de video, centrando la temática de su obra en la tecnología y su influencia sobre nuestra vidas. En base a las apreciaciones sobre su trabajo articulé una estructura con cds y metros de cinta de video con la intención de evocar el mundo multimedia de forma parecida a como podría encontrarse en un museo.

SENTIR. El entramado multimedia tiene la capacidad de expresar un enorme abanico de emociones humanas mediante el conjunto de impulsos audiovisuales de los que dispone. De esta forma, cuando la maquinaria multimedia se activa y direcciona, determinadas sensaciones nos invaden como receptores conduciéndonos a SENTIR; sentir miedo, sentir alegría, sentir melancolía, sentir erotismo, sentir desesperanza, sentir euforia, sentir adrenalina o sentir amor. Pero… ¿qué sucede cuando todas estas emociones nos asaltan de manera caótica, abrumando y rebosando nuestra capacidad emotiva?

Adam Cohen and

Jordi Colomer and Antonio Miguel Ropero




Tras estudiar historia del arte y arquitectura, Jordi Colomer (Barcelona, 1962) inicia su trayectoria como artista en 1986 con esculturas minimalistas inspiradas en las formas de los muebles. Ya en los años 90 inicia sus trabajos en vídeo (“Simo”, 1997) y videoinstalaciones como una forma de prolongar la escultura en el tiempo. Sus temas principales son, entre otros, por un lado, el debate de los personajes con los objetos del escenario en que desarrollan su acción (entre otros, “Pianito”, 1999) donde lo teatral y la performance van de la mano; por otro lado, sus “retratos de la ciudad” donde los personajes protagonistas viven y caminan la ciudad o el desierto y su arquitectura, interactuando con su paisaje mediante objetos (muñecos, maquetas-estandartes  arquitectónicas portátiles, rótulos, etc.), creando situaciones donde la realidad se convierte en ficción y la ficción en realidad.
Mi trabajo es un homenaje a este autor mediante un video en el que intento plasmar desde un punto de vista personal y con una clara técnica propia, las situaciones sociales que Colomer nos presenta en sus videos a través de la arquitectura y los objetos. Yo trato de representar esto mediante pequeñas maquetas arquitectónicas y pequeños objetos que mediante la técnica del stop-motion, cobran vida para convertirse ellos mismos en el objeto del video acentuando de esta forma las diferencias entre el trabajo de Colomer y el mío.
El video trata principalmente de mostrar como los empresarios y políticos corruptos hacen posible que los entornos naturales sean destruidos y el efecto que causan en el medio ambiente a costa del enriquecimiento de estos.

Chris Cunningham and Noelia Ruiz



Mucha gente piensa que mis trabajos son terroríficos. Personalmente, yo los encuentro hilarantes. Terroríficos para mí son, por ejemplo, los videos de las Spice Girls.

Para mí, Cunningham es referente y base de muchas de las tendencias actuales de la creación de vídeo (como los motion graphic). Sus vídeos me parecen increíblemente modernos para la época (mediados de los 90) y muy actuales. Se negaba a trabajar con gente que no fuera consonante con sus gustos musicales y su estética y de ahí nace la prolífica relación con Aphex Twin, con quien ha colaborado en muchos vídeos e instalaciones. Además de dirigir videoclips, ha dirigido anuncios, un cortometraje y la videoinstalación Flex, que le ha llevado por las grandes salas de arte del mundo. Actualmente no quiere hablar de su pasado y actúa como VJ+DJ (creando además de los vídeos, y con ayuda de los sampler de éstos, la música). 

He tomado como referente esta ocupación de Cunningham creando una pequeña pieza de vídeo + música utilizando varias de sus piezas, ya que en el directo normalmente usa su material de archivo (aunque en otra ocasiones utiliza piezas de películas o de documentales – como Triumph of the Will) para montarlo al ritmo de la música. Me he centrado en la estética oscura de Cunningham, usando partes de Flex, Rubber Johny, y los videclips Afrika Shox, Only you y Come to daddy, que van en gamas frías, dejando un poco de lado el trabajo más “luminoso” de Cunningham. La música de fondo es la de Flex, con el sonido de Rubber Johny y Come to daddy cuando correspondían estos. Finalmente, a modo de crítica con la televisión como hace el autor, he tomado las palabras “me comeré tu alma” para cerrar la brevísima pieza que empezó preguntándonos cómo nos sentíamos.  

Stan Douglas and Juan Fco de Dios


Ruido
Stan Douglas es un artista canadiense nacido en 1.960 , creador principalmente  de video-instalaciones, pero en su obra también encontramos trabajos de fotografía, video, cine y televisión. Este es precisamente el medio para el que ha sido creada esta pieza de 52 segundos. Sirviendo como guía los spots  emitidos por una televisión canadiense en 1.992 y que utilizaban una técnica cinematográfica muy ligera e estilizada tanto en su realización como en su estructura narrativa, contando principalmente con panorámicas de grandes planos generales y sin apenas edición.
Stan Douglas utiliza últimamente su obra para denunciar el traspaso de poder ejercido tradicionalmente por las  instituciones elegidas por las sociedades a los mercados financieros desde que en 1.973 se produjera una crisis energética. Uno de los recursos utilizados por el autor son los loops y con esta pieza se sintetiza una constante búsqueda de las soluciones a la crisis económica y moral actual. Para ello se intenta encontrar la solución en los jóvenes, que a través de las universidades en un futuro próximo puedan sintonizar con una solución a nuestros problemas y nos saquen de la oscuridad e incertidumbre que vivimos.


Marcelo Expósito and Angelo Cagnazzi


Marcelo Expósito es artista, y su práctica se expande habitualmente hacia los territorios de la teoría crítica, el trabajo editorial, la curaduría, la docencia y la traducción.

He elegido como obra de referencia, el documental llamado “Léxico familiar: cambiar el mundo sin tomar el poder (retrato de John Holloway)”.

Marcelo Exposito utiliza como materia prima, fundamentalmente, imágenes de los primeros momentos del alzamiento zapatista en enero de 1994, más una entrevista con John Holloway registrada en Puebla, en el año 2005.
Mi trabajo es estilísticamente muy diferente pero es en gran medida inspirada por el discurso de Holloway sobre el significado de las palabras y la situación de la sociedad.
Así que he buscado algunos cineastas y artistas que han adoptado búsqueda similar más visual y he jugado un poco con el montaje.
Las palabras son originales, mientras que el formato de la escritura es muy similar a la obra.
Los artistas a los que me he referido son los siguientes:
_imagen_
Dadara and Jesse – “Fall and Rise of the Fools Ark”;
Erik Gandini - “Surplus – Terrorized into Being Consumers” (en particural se puede escuchar la voz del escritor anarchista John Zerdan);
_sonido_
Eildentroeilfuoriilbox84 - "Delle bestie".

Fred Forest and Lucía Martín


Fred Forest (nacido el 6 de Julio de 1933 en Mascara, Argelia) es un artista francés de los nuevos medios de comunicación haciendo uso de vídeo, fotografía, prensa escrita, correo, radio, televisión, teléfono, la telemática y el Internet en una amplia gama de instalaciones, actuaciones, y las intervenciones públicas que exploran las ramificaciones y las posibilidades de espacio en los medios. Fue co-fundador del arte sociológico colectivo (1974) y de la estética de la Comunicación de movimiento (1983).


 La comunicación estética afirma que la evolución concomitante de tecnologías de la comunicación y las estrategias en el arte se ha democratizado (y por lo tanto desmitificado) los medios de producción artística por lo que sustituye la función del arte como la producción de materiales con el propósito del arte como la interacción social: "Ahora el artista interviene directamente en la realidad, es decir, la lleva a cabo su simbólica y estética utilizando medios distintos a los que ha utilizado hasta ahora".


 La relación de este vídeo con Fred Forest se halla en un video arte realizado por él mismo en el que aparecen cuatro personas en la puerta del MOMA (Museum of Modern Art) colocadas en forma de cuadrado constituyendo ellos las esquinas del mismo y una persona mide la distancia entre ellos para mostrar lo que sería un metro cuadrado. Es su forma de llevar un arte diferente a la calle. De esta manera se puede entender como otro tipo de arte el que se practica en la calle como ilustra mi vídeo, incluyendo mediciones como símbolo de homenaje al autor seleccionado.

Ingo Günther and Silvia Suarez Perez

http://www.youtube.com/watch?v=aqrT8Fbenbg&list=HL1323882526&feature=mh_lolz 
 

Ingo Günther es artista alemán que trabaja con el vídeo y las nuevas tecnologías, demostrando una voluntad crítica en todas sus obras. Nacido en 1957 en la ciudad de Dortmund, Alemania.Sus primeras obras escultóricas con vídeo llevaron a más proyectos periodísticos orientados a que haya ejercido en televisión, medios impresos y el campo del arte. En su calidad de artista, corresponsal y escritor, ha trabajado extensamente con la televisión japonesa (NHK), que abarca temas que van desde los estudios de medios militares para technology.
 
“Thank You-instrumento(1995)” es una obra de la participación a pesar de que no pide nada específico de nosotros. Usando una luz que graba la silueta del visitante temporal en la pared de la galería, los espectadores tienen el privilegio de ver su propia sombra congelado en el tiempo real, mientras que ellos son libres a caminar a su alrededor y jugar con él. Tan juguetona como es, sin embargo, este trabajo intencionalmente fomenta pensamientos de la bomba atómica detonó sobre Hiroshima en 1945 donde el destello de la explosión grabado sombras de las víctimas en las paredes. Espectacular esta instalación puede ser, pero esta separación de nuestra propia sombra con un tema que también la novela sostiene Haruki Murakami “Hard Boiled Wonderland y el fin del mundo " alude a la de mostrar la dependencia de nosotros.

En el Parque de las Ciencias es un museo interactivo, de más de 70.000 m2, situado a escasos minutos del centro histórico de Granada con una de las ofertas más variadas de ocio cultural y científico de Europa. Percepción es una Sala vinculada al mundo de los sentidos. Contiene diversas experiencias con Luz y Sonido y sobre la relación de estos fenómenos con la forma que tenemos de percibirlos. Comprender la naturaleza de la luz, las características físicas de lentes y espejos, la reflexión y refracción, etc. Otros módulos están dedicados a conocer mejor la forma en que nuestros sentidos y cerebro interpretan el mundo que nos rodea.

La relación de módulos: ¡Detén tu sombra! es elegido para hacer el clip con 52 segundo. Un joven con 4 sombras negros en el pared verde y con flash o luz sale su sombra del cuerpo.


Joe Gibbons and Joaquín David Garrido Parrilla

El video representa el poder del cine sobre el ser humano de forma exagerada. La película va causando durante el transcurso del video efectos en la persona que la está viendo, hasta el punto de llegar a la locura. La falta de luz en las escenas donde aparece el personaje representa el misterio que engloba a dicho personaje igual que la utilización del blanco y negro. Técnicamente lo he realizado con ciertos parecidos a las obras de Joe Gibbons (como es la utilización del blanco y negro y movimientos de pantalla). Uno de los temas más tratados por Joe Gibbons es la muerte con un cierto humor y yo he querido representar como el cine puede llevar a estados como excéntricos como la locura, llegando a influir de tal manera en el personaje, que llega a imaginarse que es el protagonista de la película, el cual está a punto de morir.

Michel Gondry and Laura Egea




Gondry es uno de los últimos artesanos del cine. Mezcla muchas técnicas, pero lo más meritorio es su utilización del stop motion integrado y con éxito en sus films. Gondry ha trabajado en publicidad, videoclips, y cine. Con éxito en todas las áreas. Sus temáticas son muy variadas, pero los sueños, la imaginación, y lo onírico está presente siempre. Famoso por sus trucajes cnematográficos, Gondry juega con la perspectiva de un modo clásico pero que actualmente se considera rompedor por el desuso en el que ha caído debido a las nuevas tecnologías.

Filmografía (Wikipedia):
Master of Space and Time (2011)
The Green Hornet (El Avispon Verde, 2011)
Le'épine dans coeur (2009) (documental sobre su tía Suzette, profesora de 80 años)
Tokyo! (2008), fragmento de Interior design, co-dirigida con Léos Carax y Bong Joon-ho
Be Kind Rewind ("Rebobine,por favor" titulada en España y en Hispanoamerica "Rebobinados",2008)
La science des rêves (La ciencia del sueño, 2006)
Dave Chappelle's Block Party ("La fiesta del barrio de Dave Chappelle", 2005)
Eternal Sunshine of the Spotless Mind (¡Olvídate de mí! en España y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos en Hispanoamérica, 2004)

Para mi video elegí el stop motion, con lo que ello requiere (decorado, personajes..), y al pensar qué puede haber en mi cabeza pensé que estoy muy loca, y mi adoración por el expresionismo alemán hizo lo demás. En cuanto a la temática es cinematográfica y freudiana porque creo que es lo que más me representa.

Dan Graham and Ana Valdivia Cano

Dan Graham (31 de marzo 1942), es un artista conceptual y una figura influyente en el campo del arte contemporáneo. Explora diversos territorios (película, vídeo, fotografía, maquetas arquitectónicas, y el vidrio y la estructura de espejo) combinando distintos parámetros relacionados con el mundo real y el ámbito del arte.
Graham se centra especialmente en la relación entre su obra y el espectador en sus piezas. Utiliza el sistema de circuito cerrado, implicando activamente al espectador, e introduciéndole en la obra como elemento vital para su realización.
He elegido este autor porque me parecía curiosa la manera en que trata el tema del propio sujeto en su obra mediante la técnica de los espejos, y he intentado simular en este video; en una primera parte, la introducción del sujeto en la obra; y en la segunda, el recurso del círculo cerrado.

Jenny Holzer and Elisabet García

Jenny Holzer es una artista conceptual que se centra en la apariencia, tamaño y lugar espacio-temporal del texto, buscando llamar la atención del espectador. La artista muestra sus ideas en espacios públicos, como pósteres, aunque también usa otros medios como proyecciones, letreros luminosos, camisetas o pegatinas, creando auténticas obras de arte cargadas de significado que plantean inquietantes interrogantes. Sus temas más frecuentes son el amor, la violencia, el sexo y la guerra. En mi vídeo he querido jugar con algunas de las características y formas de trabajo de la artista aunque dándole un toque personal, por lo que he decido proyectar un texto pero en lugar de escoger un gran edificio, he decidido proyectarlo sobre un torso desnudo dándose una ducha, algo simple y común que hacemos en nuestro día a día, al igual que también eran comunes para muchas personas los edificios en los que después proyectaría Jenny Holzer sus textos, de hecho en numerosas ocasiones se puede ver en los vídeos de las proyecciones que durante las mismas aparecen personas paseando, charlando… La artista utiliza en ciertos vídeos textos luminosos y de colores llamativos, por lo que en mi vídeo he querido recoger esta idea con el fondo nebuloso de vivos colores, que no hace más que homenajear los colores que aparecen en algunos de sus vídeos, a la vez que impactan y llaman la atención del espectador. Por último me gustaría señalar que el texto proyectado no es propio de la artista sino que es un poema de Bukowski, A solas con todo el mundo, tema cargado de pesimismo que en muchos casos puede recordar a la crudeza de algunos textos de la artista, y la frase de la espalda es de Coco Chanel. Aparentemente parece no haber conexión entre ambos, pero sin embargo, al estar enmarcados en un mismo contexto de imagen provocan que el receptor ponga en juego su capacidad de interpretación del vídeo, y por ese hecho también aparece un texto escrito en la espalda de la chica, a la vez que se le proyecta también el poema, para reflejar que el texto y las palabras siempre forman parte de nosotros, y conllevan la existencia de algo o de alguien.

Pierre Huyghe and Julio Carreras Díaz



Pierre Huyghe es un artista francés que bastante le debe a Maurice Maeterlinck, principal exponente del teatro simbolista. El punto fuerte de Huyghe son los experimentos tecnológicos, tras los que se esconde una preocupación fundamental por los enigmas que despiertan la imaginación. Pierre Huyghe no está especializado en el campo del video arte y por eso su obra no es demasiado extensa. Su obra de videoarte más conocida es ‘One Million Kingdom’, una animación que forma parte de un proyecto mayor llamado ‘No ghost just a shell’ y que muestra a un personaje femenino casi infantil y transparente llamado Annlee recorriendo un paisaje futurista de montañas, cráteres e icebergs que suben y bajan en un movimiento sincronizado con las ondas acústicas del narrador. Con esta obra, Pierre Huyghe reflexiona sobre el vacío semántico de los signos en la era digital debido a su sometimiento a un proceso de reproducción ilimitada. Mi aportación pretende es una metáfora sobre los vicios y el hecho de que nos afecten a nuestra forma de vivir, a nuestro tiempo y a nuestra “libertad individual”. Dicha obra está ligada a la de Huyghe en forma, tomando su idea de hacer que la imagen interactúe con el narrador, con cada uno de sus golpes de voz.

Guerrilla Television and Carlos Cervera


Guerrilla TV es el término con el que en 1971 Michael Shamberg acuñó a un nuevo movimiento de contracultura, aunque esta corriente ya existía durante los 60, él mismo participó en ella como integrante de Raindance Corporation. Esta corriente surgió con la idea de desarrollar una corriente alterna a la televisión del mainstream comercial corporativo. Trataban de utilizar el desarrollo natural de la evolución de los medios, entregándonos de este modo un mayor control sobre nuestro desarrollo psicológico, todo ello por medio de imágenes y sonidos de la TV, unidos en un collage y utilizando para los sistemas de video familiares para su difusión, mediante estas tácticas ( no olvidemos que eran una “guerrilla”) buscaban radicalizar el medio televisivo, revolucionándolo, haciéndonos pensar, mediante collages como ya he comentado anteriormente. En mi video he tratado de hacer un guiño a ese formato de televisión, con la que trataban de alejarnos Guerrilla TV de esa televisión comercial, por ello he querido hacernos ver que aunque pasen los años, seguimos siendo esa misma masa que a principios del siglo pasado, a cual estaba a merced de los grandes capitales, no pudiendo preocuparse más que de vivir el día a día. He intentado darle a mi video un formato televisivo en el que el ruido nos va separando las diferentes escenas que la componen, para finalmente mostrarnos que no somos mas que animales alimentados por medio de una pecera/televisión, la cual nos aleja de nuestra realidad. Al tartarse de una corriente visualmente muy anarquica, no me he preocupado mucho en colocar transiciones o que a lo largo de todo el video podamos escuchar audio.

Dee Dee Halleck and Cristina Aguilar

http://www.youtube.com/watch?v=wp1nJhckb-0&context=C28135ADOEgsToPDskLe3ZEPJGcmB9ZLxiX0jv89


Dee Dee Hallec es una activista de los medios de comunicación; sin duda una de las personas más importantes en este terreno, que ha estado presente en casi todos los proyectos que han sido relevantes (Paper Tiger TV, Deep Dish Tv...). Siempre ha estado activa y en pie de guerra por los derechos de emisión, la libertad de expresión y, sobre todo, por la realización independiente y autónoma de material audiovisual pensado, realizado y producido por los movimientos sociales. Se podría decir que Dee Dee, de alguna manera, representa un puente que une a la nueva generación de videoactivistas con la experiencia del pasado, pues casi a sus 70 años, sigue activa, muy activa.
          Es fundadora de Paper Tiger Television, cadena que significó para el videoactivismo un modelo teórico y práctico muy influyente, a través de los canales de televisión por cable de libre acceso y eventualmente vía satélite.
          Paper Tiger Television empezó en 1981 como un programa semanal por cable en el que se criticaban los medios de comunicación de masas. Lo producía un enérgico grupo de videoactivistas, entre ellos Dee Dee, para el canal de acceso libre de Nueva York. Alimentándose de las aspiraciones más radicales de lo que se conoció como " Guerrilla television", Paper Tiger Tv creó su propia, desenfadada y autóctona estética, demostrando que la energía, el talento, unos recursos limitados y el acceso libre eran suficiente para crear una televisión revolucionaria. El resultado fue una de las experiencias televisivas más creativas, excitantes y radicales que han existido.
       Precisamente esta estética es la que he elegido para llevar a cabo mi aportación, utilizando uno de los temas por los que más han luchado, tanto Dee Dee como esta cadena; la libertad de expresión. 


                                                     Cristina Aguilar Navarro.

Gary Hill and Irene Parrilla Vallespín


Este homenaje se inspira en los aspectos formales de las obras de Gary Hill, especialmente en Around and About (1980). Este artista iniciado en el videoarte en los años setenta, presenta desde sus primeras obras una atención al vínculo entre tiempo – sonido – imagen. Por ello este video homenajea al artista manifestando esa fuerte relación. En este caso en vez de hacerlo a través de la voz humana se ha propuesto a través de la música. Los planos acompañan rítmicamente a los distintos sonidos. 
Por otro lado, una característica de la obra del autor es que suele estar de alguna manera interrumpida por la naturaleza de la tecnología. Es decir, sus imágenes son a veces borrosas y fragmentadas, por eso en el presente homenaje los planos se ven a menudo influidos por aberraciones visuales. Otra tendencia suya, es la de escalar, dividir y reservar los planos, construyendo focos de atención que refuerzan la narración auditiva. Este último aspecto es el más perceptible en el video homenaje, ya que los planos se recomponen geométricamente, para crear un ritmo visual concreto. 
Por último, apuntar que también el color, aunque difiera del de su obra, también se ha visto influido por Hill. Esto se debe a que en Around and About (1980) los colores son irreales, están virados generalmente hacia tonos fríos. En el caso de este video homenaje se han virado las sombras hacia tonos fríos, pero debido a la tonalidad caliente de las escenas tomadas el resultado es el contrario. 
Este video no buscaba ninguna vinculación con el tema – contenido de sus obras, pero sí sigue en cierta manera la lógica de sus narrativas, de tono ascendente, y narrado como si de un viaje o paseo se tratara.

Spike Jonze and Samuel Salazar



"Generalmente, un vídeo no quiere decir nada, sólo recrea un estado de ánimo", dice Jonze.

Analizando videos realizados por Spike Jonze he notado que en muchos de ellos aparecen animales: perros, gatos, ratones, etc. Tiene una tendencia a personificar animales como le pasa en los videoclips de la historia de un hombre-perro por las calles de Nueva York para Da Funk, de Daft Punk, o "Triumph Of A Heart" de Björk.

Spike Jonze tiene cosas en común con Michael Gondry y Chris Cunningham.

Los vídeos musicales de Spike Jonze, Michel Gondry y Chris Cunningham lograron convertir en menos de una década un género desprestigiado en un lenguaje propio.

"La increíble imaginación de Grondy: él es técnicamente muy sofisticado y complejo pero con el mundo abstracto de un niño. Su madre es pintora y su padre inventor, Michel tiene un mundo muy creativo","De Chris [Cunningham]", continúa Jonze, "siempre me ha gustado su sentido del humor, estilizado y sencillo", dice Jonze en una entrevista que le hicieron. Supongo que de ahí que muchos animales salgan en sus videos personificados.

El sentido de este video es hacer sentir al espectador algún tipo de sentimiento. El video comienza de manera triste y melancólica pero al tiempo que pasa pues se va sintiendo mejor. El sentido de los peluches en lo alto del sofá es porque quería poner animales como perros o gatos pero no he podido.

Sandra Kogut and Rosario López López

Sandra Kogut es una directora de cine que al realizar sus producciones intenta que estas hagan reflexionar al espectador sobre algún aspecto de la vida social. Por lo que en sus trabajos trata de ser lo más realista posible. Para hacer el proyecto me he centrado algo más en destacar el trabajo que realizó en “Mutum”, es decir, la forma en la que lo llevó a cabo. De tal manera, como según describe ella en una entrevista, la película se ve a través de los ojos de unos niños, habla de la infancia detallando las pequeñas cosas y preparó la película intentando darle un sentido documental, así que: buscó lugares y personas que encajaran en el papel que ella quería mostrar y escogió a actores no profesionales y niños de la zona, no utilizó guión sino la transmisión oral del relato para que ellos vivieran la historia como propia y además, el largo proceso de elaboración permitió la convivencia del equipo con los actores no profesionales, permitiendo un acercamiento mucho más natural entre ellos. De esta forma y paralelamente, para realizar mi homenaje a Sandra Kogut, narro brevemente una cena familiar, sin guiones, sin actores profesionales, narrada a través de mis ojos: pues donde iban estos es donde enfocaba la cámara, e intento reflejar el calor de un hogar común para todos. Además, hay que remarcar que en otra entrevista realizada a la directora, esta alude a que le encantan las personas, por lo que hacer documentales o películas es para ella una excusa perfecta para relacionarse con otros sujetos.

Barbara Kruger and Emilie Bellia Palomares


Barbara Kruger es una artista neoyorkina que se inició en el campo del diseño gráfico. Por lo general, su obra sigue una ideología muy clara, feminista, en defensa de la mujer, y de rechazo también al tipo de sociedad actual basada en el consumismo y la hipocresía. Su obra además usa una estética muy concreta, basada en fotografías y diseño gráfico en blanco y negro en las que inserta frases que sirvan para explicar su denuncia de una forma directa e impactante. Todos sus trabajos suelen ser una denuncia a los tipos de injusticias y vicios como el consumismo, el individualismo, o la explotación de la mujer.

Para el video decidí tomar así un poco de los elementos esenciales que usa Barbara en su obra como son las imágenes en blanco y negro, el texto (con la misma fuente que ella misma usa en sus obras) y el tema del feminismo y la denuncia de la explotación de la mujer. 

Shigeko Kubota and Javier Granados Cabeza




Video inspirado en  Shigeko Kubota, mujer de Nam June Paik. Este video fue expuesto con motivo del 40 aniversario del video art en Nueva York, en Central Square. Dentro del video arte esta mujer, solo se dedicó a ayudar a su Marido y son pocas sus obras de arte. "My Father" es la más famosa, ya que retrata la muerte de su Padre, que padecía una enfermedad irreversible. Sus obras serían: 
  • “Vagina Paiting” (1965), presentada en el “Perpetual Fluxus Festival”, en la Cinemateque, Nueva York.
  • Allan 'n' Allen's Complaint con Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1982, 28:33, color, sonoro
  • April is the Cruelest Month, 1999, 52 min, color, sonoro
  • “Europe on 1/2 inch a day” (1972), 30:48 min, byn y color, sonoro
  • George Maciunas With Two Eyes 1972, George Maciunas With One Eye 1976, 1994, 7 min, byn, sonoro
  • “Marcel Duchamp y John Cage” (1972) 28:27 min, byn y color, sonoro
  • Media Shuttle: Moscow/New York con Dimitri Devyatkin y Nam June Paik. 1978, 28:11 min, byn y color, sonoro
  • Merce by Merce by Paik, Nam June Paik. en colaboración con Charles Atlas, Merce Cunningham, y Shigeko Kubota, 1978, 28:45 min, color, sonoro
  • Merce by Merce by Paik Part Two: Merce and Marcel, Nam June Paik y Shigeko Kubota, 1978, 13:05 min, color, sonoro
  • My Father, 1973-75, 15:24 min, b&yn , sonoro
  • Rock Video: Cherry Blossom, 1986, 12:54 min, color, silencio
  • Sexual Healing, 1998, 4:10 min, color, sonoro
  • SoHo SoAp/Rain Damage, 1985, 8:25 min, color, sonoro
  • The Last Videotapes of Marcel Duchamp, con John Sanborn 1976, 32:03 min, byn y color, sonoro
  • Tiger Lives con Nam June Paik, 1999, 45 min, color, sonoro
  • Trip to Korea, 1984, 9:05 min, color, sonoro
  • “Video girls and video songs for Navajo sky” (1973), 31:56 min, byn y color, sonoro
  • Video Installations 1970-1994, 1994, 19:47 min, color, sonoro
  • Winter in Miami 2005, 2006, 14 min, color, sonoro
  • You Can't Lick Stamps in China colabora con Nam June Paik y Gregory Battcock 1978, 28:34 min, color, sound
  • “Duchampiana: Nude Descending a Staircase” (1976).

Mari-Jo Lafontaine and Gádor López


Marie-Jo Lafontaine es una artista contemporánea belga, nacida en 1950 en Amberes . Usa medios tan variados como el tapiz, escultura, y en especial la fotografía y el vídeo. Fue elegida "Artista del Año en Europa 2008" en China.
Este proyecto está inspirado en el trabajo de Mari-jo Lafontaine titulado “dance the world” en el cual se inspira en el baile. Nuestra videoartista mezcla baile y a la vez su interés por el colorido que representa en sus retratos fotográficos. Está muy interesada por el cuerpo humano, todos sus detalles en concreto y en general los rostros. He querido plasmar con este video todo su conjunto, demostrando que se puede “bailar” con casi todas las partes del cuerpo. Para introducir el colorido que caracteriza sus trabajos lo he hecho desde la música “she,s a raibow” de los Rolling Stones hasta la utilización del color en casi todos los planos, sobre todo del color rojo que representa la sangre, el cuerpo humano por el cual muestra tanto interés Mari-jo Lafontaine.

Jana Leo and Víctor Rodríguez






Jana Leo nació en Madrid en 1965. Vive y trabaja entre Nueva York y Madrid. Da clases de Conceptos de arte, arquitectura y estética en la Cooper Union University en Nueva York. Desde hace 15 años trabaja en escritura, video, cine y fotografía con una trayectoria polémica pero exitosa.


Mi proyecto se centra en la sexualidad, la cual Jana Leo utiliza para profundizar en la personalidad del individuo. He recreado dos situaciones de alto nivel sexual entre personas homosexuales y heterosexuales para intentar expresar como, sin importar nuestra orientación sexual, el sexo es un método imprescindible de relación interpersonal en el cual los rasgos más profundos de nuestra personalidad quedan expuestos. Me ha parecido muy interesante el conflicto que el trabajo de Leo ha generado entorno a la difusa la línea que separa arte y pornografía en algunos casos, aunque he pretendido centrar mi trabajo en la fuerte carga de gestos, lenguaje corporal y visual; en definitiva, de comunicación no verbal que desplegamos durante las relaciones sexuales. 


Mi principal objetivo es, por tanto, que quién vea este vídeo no se sienta impactado por las imágenes, si no que se involucre de manera estática en la intimidad al desnudo de estas personas, sintiéndose identificado con dicha intimidad.

Steve McQueen and Leticia Marín García






Steve Mcqueen, Nacido en Londres en 1969, estudió en el Chelsea School of Art y en el Goldsmiths College. Actualmente vive y trabaja en Amsterdam. Su obra ha podido verse en las grandes citas del arte contemporáneo, dn exposiciones en los grandes centros como el MoMA, la Kunsthalle de Viena, el art Institute de Chicago o el Musèe d"Art Modern de la Ville de Paris.

Su lenguaje se configura como una estructura quebrada, una ruptura de las leyes tradicionales de la edición para alcanzar plena libertad con la cámara. Desde muy pronto entendió que el lenguaje cinematográfico, cámara en mano, debía incorporar el carácter fragmentario de la mirada, esto es, capturar la fugacidad, el instante, lo que no vemos, lo casual y lo incierto. "Hay que perder el control para tenerlo todo bajo control", dijo una vez.

Ha trabajado con blanco y negro, especialmente al principio de su trayectoria, y en color. Esta lectura quebrada se sitúa en un plano paralelo al funcionamiento de la memoria en los seres humanos. Pero sobre todo se trata de romper radicalmente la secuencia narrativa tradicional. El espectador, por tanto, se encontrará más de una vez expuesto, inmerso en un mar de dudas en el que será necesaria su interpretación. El lenguaje de McQueen puede ser en ocasiones críptico por ese lenguaje fragmentario que aporta escasas pistas al espectador.

En mi videoart he querido reflejar esos instantes de una persona con inseguridad en la vida misma, a través de contrastes entre el negro, el rojo y el blanco; la vida y la muerte; siendo su vida una pasión por su gato; los guantes negros representan el repelús a la vida y también el amor hacia su gato y el querer ser similar a él . He jugado con el cambio de la narrativa audiovisual tradicional y hay retrocesos, dando pistas al espectador porque la interpretación no es única..

Ana Mendieta and Alejandro Roca




Ana Mendieta fue una artista cubana que desde muy pequeña se vio obligada a exiliarse de su país natal y poner rumbo a otro país por culpa de la dictadura castrista. Sus vídeos, performances y arte en general fueron un reflejo de la nostalgia y el añoro por volver a su tierra y sus raíces. Su inspiración partían de las formas y cuerpos femeninos mezclando sus propias siluetas con elementos de la madre tierra como el fuego, piedras, hierba. Este video es un pequeño guiño a esta artista donde las raíces y la nostalgia por el lugar donde crecí y jugué serían los principales en la inspiración y el resultado final. El tiempo pasa y el mismo lugar da paso a nuevas generaciones que inevitablemente también lo verán pasar.

Antoni Muntadas and Carlos Rubio

Antonio Muntadas nació en Barcelona en 1942, vive y trabaja en Nueva York desde 1971. Sus obras han sido expuestas en las bienales de París, Venecia, Sao Paulo, Lyon, Documenta de Kassel, MOMA Whitney y Guggenheim de Nueva York, entre otros. Se define como un «traductor en imágenes de lo que pasa en el mundo contemporáneo», intenta contribuir a descifrar los “mass-media” acomodando sus artes y oficios, como la fotografía , el vídeo o el circuito visual, a dichos procesos de expresión y comunicación ON TRANSLATION MIEDO Miedo. (Del latín metus). Perturbación angustiosa del ánimo por un riesgo o daño real o imaginario. Diccionario de la Lengua Española, 22ª Edición, 2001 الخوف. (من هوز اللاتيني). التمشيط اضطراب العقل بالمخاطر أو الأضرار الحقيقية أو المتخيلة.قاموس للغة الإسبانية، الطبعة الثانية والعشرين، 2001 La instrumentalización del miedo, la censura invisible y la distracción a través de los acontecimientos mediáticos. Esta instrumentalización ha sido un arma que de una manera creciente se ha ido utilizando, creando pánico y terror para crear una inseguridad y de esta manera votar políticas más conservadoras. Por ello se llega ya a crear una industria del miedo, el miedo como generador de producción económica y de control.

Bruce Nauman and Luis Miguel Zarzo Escabias





El artista de videoarte que seleccioné fue Bruce Nauman y teniendo en cuenta algunas de sus obras como inspiración he realizado esta práctica.
                Mi elección está justificada según aspectos que he considerado en común como es la estética de alguna de sus obras grabada con sonido ambiente de la escena sin artificios sonoros, mostrando movimientos de cámara al hombro. En este video he utilizado neón que abunda mucho en la obra de Nauman y el recurso de grabar pantallas, que me parecieron métodos interesantes de representación, aunque también he incluido efectos de montaje y transiciones los cuales este autor obvia al pasar de grabar una pantalla a otra.  En cuanto a la superficie de sus obras he recurrido a espacios lo más simple posible. Las escenas que tienen lugar no buscan tener sentido y los personajes desarrollan actividades al margen unos de otros. La calidad de la imagen no ha sido cuidada y se pueden observar distintos tipos de iluminación alguna que satura las secuencias y otras en las que es deficitaria.
                Personalmente el ritmo de este fragmento de video lo considero que invita a pensar al espectador que se trata más de una historia que de algo que no comparte nexos y que ha sido unido posteriormente. En cuanto a los espacios la idea era jugar con sitios pequeños y superficies planas para crear ambientes agobiantes. Un aspecto de desencuentro con este autor es la manera de tomar los planos en la que me decanto por el uso del trípode para conseguir estabilidad al filmarlos.                  
                En definitiva este video comparte ciertas influencias en su realización y en su temática, pero es apreciable el estilo del autor que lo lleva a cabo utilizando recursos e ideas propias.

Shirin Neshat and Cristóbal Quesada





PRESENTACIÓN DEL ARTISTA:

Shirin Neshat (*26 de marzo de 1957, Qazvin, Irán) es una artista visual iraní residente en Nueva York conocida por sus instalaciones en video, film y fotografia.
Nacida en una pudiente familia iraní, su padre un conocido medico, asistio a la escuela católica en Teherán y posteriormente en la escuela de arte de Los Ángeles. Luego de la Revolucion Islamica de Iran, se establecio en San Francisco cursando en la Universidad de Berkeley.
Su obra se refiere a la mujer en la sociedad islamica en su contexto social, politico y psicologico preferentemente en formato de video como Anchorage (1996) Shadow under the Web (1997), Turbulent (1998), Rapture (1999) y Soliloquy (1999).

TEXTO:

He intentado coger la esencia del mensaje de la autora, la mujer en el mundo islámico, y he añadido también un hombre tapándolo también con burka para igualar a ambos sexos y poder darle a la mujer un cierto toque de ibertad dejándola llevar la espalda descubierta creándose una sensación de feminidad en los dos individuos. Todo esto contextualizado en una ciudad árabe y cristiana como es Granada.

Yoko Ono and Joaquín García



En este pequeño homenaje videográfico colectivo desde Granada al video independiente, artístico y de creación digital, por mi parte, lo he querido realizar sobre la obra artística de la gran Yoko Ono.
Mi pretensión ha sido la de mostrar uno de los temas que ella trataba en sus obras de arte, en concreto, el vídeo arte (recordemos cortos como Freedom o Cut Piece, entre otros). No obstante, Yoko Ono a través de su obra artística nos mostraba una variedad de temas como la libertad de pensamiento, la lucha contra el racismo, el sexismo o la homofobia, por lo que me ha sido difícil elegir uno sólo para poder rendirle su merecido homenaje.
Sin embargo, al final he optado por representar la paz con este microfilm y que ella tanto ha promulgado, tanto sola como con su último marido, John Lennon. Es un reto difícil mostrar con un corto de tan escasa duración lo que es la paz, pero no imposible. Por eso, tras meditar sobre una idea que ya tenía en mente, me decidí a salir a las calles del lugar donde vivo, un pequeño pueblo llamado Güevéjar que se encuadra en la Vega de Granada, e hice varios vídeos.
De los vídeos que grabé, el que he escogido para este homenaje fue justamente el primero que hice sentado desde un banco de la plaza del pueblo, en el cual hago un barrido con la cámara de vídeo y muestro lo que vería cualquier persona con sus ojos, es decir, se muestra una plaza donde la gente mayor llega y se junta a hablar y donde los niños pueden ponerse a jugar sin ningún tipo de problema. Nos encontramos ante la paz, una sensación que día a día deseamos y que con un simple vistazo a nuestro alrededor vemos.

Orlan and Estelle Gehin




Multifacético artista visual y multidisciplinar, Orlan utiliza la escultura, la fotografía, performance, video, multimedia técnicas y científicas (cirugía y pronto, la bio-genética) en un trabajo permanente de la modelación y la remodelación de su propio cuerpo, realizando una especie de transformación real y virtual que se declina al infinito. Cuestionar el lugar del cuerpo en la sociedad, se rompe la imagen de la mujer y propone una nueva definición de la belleza. 

El trabajo de Orlan en el cuerpo se hace también a través de la fotografía : Por lo tanto no nos encontramos con este medio de la fotografía - escultura «baiser de l’artiste» sino también fotografías de  Orlan en «madonne» la etapa operativa de la cirugía - performances, fotografías, carteles de cine, etc. Es una de las artistas francesa del arte coroporal más famosas de Francia y en el extranjero.

En mi video he gravado partes del cuerpo, hice referencia a la obra del artista con una pasión por el cuerpo humano, especialmente el de una mujer. En mis imágenes podemos ver algunos dibujos en la piel en relación con el arte del cuerpo.

Tony Oursler and Marja González

                             
Tony Oursler es un videoartista neoyorkino que para sus obras usa maniquíes o muñecos, solitarios o desdoblados, meros moldes de ropa o jirones de cuerpo: sobre todo cabezas, estas hablan y hablan.
El cuerpo reducido a un fragmento, disgregado, sometido a todo tipo de restricciones externas. Ojos flotantes, esferas de la visión. Cabezas parlantes, como las que vemos todos los días en la tele, políticos o "famosos". Según el propio autor, comparándolos con "efectos especiales".
A través de esos seres desvalidos y rotos, Oursler nos habla de la desmaterialización del cuerpo que operan la televisión y el cine.  Criticando así de alguna manera a la sociedad.

Inspirándome en  este autor he realizado un vídeoarte, donde al igual que en sus obras se ven solamente rostros, sin aparente sentido, con deformidades y colores fuertes además de carecer de música alguna. Al igual que Ousler e intentado despertar humor, ironía, desesperación, enfado, ternura, y de alguna manera hasta identificación. Espejos que muestran lo que tu no te atreves ha hacer. Dándole un toque personal he insertado rostros no sólo de personas como el autor.

Nam June Paik and Matías Lallave Vázquez




Nam June Paik es considerado por muchos como el padre del video-arte. De formación musical y artística, este autor sintió fascinación desde el primer momento por la estética de la imagen combinada con el sonido, y lo que de forma sugerente y subjetiva ambas podían expresar. El uso de la música electrónica y de instrumentos novedosos como los sintetizadores eran la base de sus primeros trabajos.

Sin embargo, y tras su paso por el movimiento fluxus, Paik exprimió la idea del televisor como icono cultural de occidente, y planteó el problema sobre la percepción y la desproporción sensorial provocada por las extensiones tecnológicas: "La televisión nos ha atacado durante toda la vida, es hora de que devolvamos el golpe".

En el video-arte homenaje, hago usos de las técnicas de las que gustaba Paik (música creada por sintetizador, imágenes sucesivas y significantes), y añado una nueva reinterpretación de sus ideas sociales sobre el medio televisivo, y cómo una nueva forma de ver televisión se despierta hoy día frente al uso agresivo del pasado, el siglo XX, y la época en la que Nam June Paik vivió y participó.

Antonio Perumanes and Antonio A. Romero Melero

http://www.youtube.com/watch?v=p_8wn9O6DS4&feature=youtu.be

El video arte "Hora fatal" de 52 segundos de duración, está inspirado en la obra de Antonio Perumanes. Evoca a uno de los temas más recurrentes del autor, la muerte. Además utiliza como recursos técnicos la yuxtaposición de imágenes en principio inconexas y metafóricas que irán cobrando sentido a lo largo de la pieza videográfica.

En el video, la muerte se representa como el final de una realidad, una realidad que está en devenir. En esta realidad nada es estático, todo fluye como una corriente dinámica otorgándole un carácter efímero a cada instante de dicha realidad. Algo es ahora, pero dejará de serlo instantáneamente después, para pasar a ser otra cosa. 

He querido representar esta percepción de dos formas diferente, por un lado a través del tiempo utilizando imágenes y sonidos de relojes ya que desde mi punto de vista es algo que va muy ligado a esta idea; y por otro lado la he querido representar como una escalera descendente en la que cada peldaño representa un instante distinto al anterior.

Fabrizio Plessi and Álvaro López

Este vídeo forma parte del universo Plessi en el sentido de que utiliza los elementos naturales para expresar una emoción. La emoción que intento transmitir mediante este time lapse, es la velocidad de la vida del ser humano en comparación con la calma con la que se mueve la propia naturaleza y todo lo que nos rodea. En cierta medida es una llamada a la utilización del mundo como un lugar en el que recrearse y no del que huir. Me baso en la utilización de espacios naturales y colores que cambian del pardo hacia el azulado para homenajear a Fabrizio Plessi.

Steve Reinke and Jesús Fernández Viúdez




Steve Reinke nació en 1963 en Ontario (Canadá) y es un escritor y artista que es conocido principalmente por sus vídeos que lleva realizando desde inicios de los años 90, y que hoy en día aún continúa desarrollando y exponiendo en algunos de los museos más prestigiosos del mundo como el MoMA (New York) o el Centre Pompidou (París) o incluso en festivales de cine independiente como el de Sundance o el de Rotterdam. La mayoría de sus trabajos tratan de psicoanalizar al espectador y a sí mismo, pero también abarca los tópicos de los seres humanos, -su comportamiento, sexualidad…- o sobre cómo observa la cultura pop desde su prisma particular. En su obra es característico ver plasmada su experiencia en primera persona mediante la imagen y la narración directa, dándole así un toque autobiográfico y único a sus creaciones.
Para este vídeo-homenaje he fusionado 2 de sus creaciones: “Ask the insects” (2005) y “Anal masturbation and object loss” (2002), dándoles un sentido autobiográfico ficticio que evoca desde una perspectiva figurada la madurez de la persona, el autodescubrimiento personal y el final de la vida. Por último le he dado un toque personal al vídeo con una narración más dramática, un pequeño elemento subliminal casi imperceptible y he querido dejar el final de la pieza en suspenso, para intrigar en cierta medida a los espectadores que estamos menos habituados al visionado de videoarte y motivar el interés por la pieza.

Pipilotti Rist and Candela Caballero



Los videos de Pipilotti Rist  están llenos de cambios de color, velocidad y diversos sonidos. Las temáticas predilectas de Rist son la vivencia de género, la sexualidad y la corporeidad humana. A diferencia de otros videastas de su generación, Rist, en varias de sus obras, transmite sencillez y felicidad. Si bien al principio se la catalogó como una artista inscrita en el discurso del feminismo, hoy se ha superado esta interpretación y los trabajos de esta suiza admirable se exponen en los más importantes museos y galerías de todo el orbe. La obra de Pipilotti Rist, altamente lúdica y poética, expone una de las propuestas de arte contemporáneo más originales y profundas, con una capacidad notable para trastocar las nociones convencionales de temporalidad, espacio y cotidianidad. Sus videos hacen del cuerpo, del deseo, de lo sexual, de lo fluido, del movimiento y de la música, su leitmotiv.
Le da una gran importancia a la música en sus videos usando música experimental que compone ella misma, yo he usado “Walk on the wild side” de Lou Reed porque me ha parecido la más adecuada por su simplicidad tanto instrumental como vocal. Como amante de las pequeñas cosas que me considero, el uso del plano detalle ha sido mi prioridad para este trabajo, y ya que Pipilotti hace uso de los cambios de tiempo, he aprovechado para detallar desde los movimientos de las grietas cuando unos labios se aprietan hasta la textura de un yogurt bien agitado para encontrarnos con el contraste de colores que pertenecen a la misma gama: el carmesí y el rosa palo. Pretendo mostrar como cosas insignificantes pueden hacer disfrutar a la vista (y al tacto).

Martha Rosler and Malva Rodríguez




Martha Rosler es una artista estadounidense que trabaja sobre todo las imágenes con textos, pero también ha realizado vídeos, fotografías, performance, entrevistas, etc.

El trabajo de Rosler se centra en la vida cotidiana y la esfera pública, a menudo con la vista puesta en la experiencia de las mujeres. Sus preocupaciones son los medios de comunicación y la guerra, así como la arquitectura y el entorno construido, como la vivienda o la falta de sistemas de transporte.

Su obra ha sido expuesta en muchas galerías neoyorquinas, y su arte ha tenido una amplia repercusión internacional.

Me he inspirado en 'Semiotics of the Kitchen' de 1975, una obra de la artista bastante reconocida. En ella, Martha Rosler, hace una crítica feminista, en la que va nombrando el alfabeto mediante utensilios de cocina mostrándolos bruscamente.
Yo he seguido la narrativa de Rosler con el objetivo de hacerle homenaje y poder descubrir una crítica a una sociedad embutida en la televisión, en que todo su universo gira y se limita al sofá, el mando a distancia y la televisión, donde la mayoría de los contenidos son repetitivos, redundantes y sin sentido.

Toni Serra and Ángela Molina




Toni Serra/ Ali abu. Barcelona 19060. Autor de videos, textos y otros submedia. A través de sus videos ha explorado diferentes visiones, en una tierra de nadie entre el documental y la poesía, con una presencia constante de la noción de trance y de las realidades del sueño. Para realizar el video nos hemos basado principalmente en dos obras suyas, Al Barzaj, donde podemos ver la reproducción de edificios de carácter árabe por ello hemos captado la imagen de parte de la fachada de la Facultad de Comunicación y Documentación de Granada. Al igual que el uso de una canción de la misma procedencia con el fin de animar el corto, y a su vez porque se relaciona de manera general con el resto de sus obras. Por otro lado, la bolsa se basa en otra obra, Wahab, en la que una bolsa es la protagonista y que representa el hecho del pensamiento que nos produce mientras que vemos el video. Así, como resultado de nuestra obra, podemos fusionar la idea de la bolsa que recorre la trayectoria de una vida desde épocas antiguas, lo que tratamos de mostrar con el edificio citado, hasta el entierro de dicha vida. Todo esto representado a través del recuerdo, ya que el video comienza con la aparición de la bolsa que se encuentra enterrada entre las hojas.

Brian Springer and Alberto Suárez

http://youtu.be/ORUJsUp7xZo

GLUM TETRIS

 Brian Springer es un director, productor y videoartista americano nacido en 1959. En su corta producción sus trabajos han sido proyectados desde una perspectiva alternativa. Para cumplir con su espectativa Brian ha realizado diversos trabajos entre los que destaca Spin, un estudio a modo documental sobre la hipocresía televisiva y la manera de "maquillar" a los políticos durante la campaña presidencial para comercializar la buena imagen política.

 En el videoarte realizado se expone en cierta manera la hipocresía en la que la sociedad actual vive, en este caso, basado en la sobrealimentación y desnutrición con cierto tono tetricista.

Francesc Torres and Daniel Jesús Andana

Steina Vasulka and Antonio José Muñoz Álamos



Tanto Steina como Woody, su marido, son considerados pioneros en el desarrollo de las artes electrónicas. En 1970 fundan “The Kitchen”, centro de exhibiciones y centro experimental de las artes.
Steina continúa en la exploración de las posibilidades generativas y manipulación de imágenes electrónicas a través de un amplio espectro de instrumentos electrónicos y tecnológicos para conseguir nuevos efectos estéticos.
Tras visionar sus numerosos vídeos, me he decantado por mostrar una acción como en su vídeo “Violin Power”, en la que se muestra una mujer tocando el violín. En mi caso, he decidido que sea un hombre y que su acción sea esnifar cocaína.
En el vídeo se pueden mostrar algunos efectos extraños conseguidos mediante el programa de montaje para asemejar un poco más con el autor.
En cuanto al audio del video, es un poco chocante, pero es lo más característico de las obras de Steina y por lo tanto, quería conseguir algo semejante mediante los sonidos de la televisión.

Bill Viola and Pilar Quesada




Bill Viola es un artista estadounidense de sesenta años, cuyas obras realizadas en vídeo tienen una serie de factores comunes que he compartido: utilización de cámara lenta, fondo negro y cuerpos con capacidad expresiva.
He cogido características de la forma de sus vídeos para hacer esta pieza, si bien no son calcados, no es una réplica tampoco en la forma, ya que en sus videos el slow motion está mucho más acentuado.

Mi aportación en cuanto a contenido se sale un poco de lo que he visto en la obra de Bill Viola, pero contaba con la libertad para hacerlo: la figura de un hombre fumando. ¿Por qué fumando? Porque me ha resultado otra forma de expresar, y el humo a cámara lenta nos muestra su capacidad de volar, de mezclarse con el aire en un baile que da rienda suelta a nuestra imaginación. Nos incita a pensar qué siente la persona que está “enfrente” de nosotros cuando nos mira fijamente y nos hace cómplices.


El slow motion nos hace ver con mucho más detenimiento la coreografía de los movimientos, de
los cuerpos y de los elementos y nos hace relajarnos un poco de este mundo a cámara rápida en el que vivimos. Un cuerpo desnudo que se mueve lentamente y que nos mira, nos hace partícipes de lo que siente. También he utilizado el humo porque con el fondo negro contrasta. No hay más elementos: un cuerpo, un cigarro, el fuego y el humo. La pureza de un cuerpo mezclada con la contaminación de los elementos externos.


Esto es solo mi visión personal, la forma en la que he entendido la obra de Bill Viola y lo que he intentado transmitir con esta pieza, aunque pienso que la interpretación será subjetiva.

Wolff Vostell and Pablo Alameda Galán


Wolf Vostell, preocupado por la evolución tecnológica y social, argumenta con sus obras las nuevas plagas que nos venían encima, entre sus obras encontramos como lo mecánico supera la naturaleza humana hasta anularla, “lo que sucede” da nombre a sus obras que con la aparición de un “nuevo lienzo” como las pantallas de televisión evolucionó, proporcionando a Vostell un lenguaje poco explorado hasta la fecha.

Sin embargo, el extremo al que hoy han llegado los medios de comunicación pasará desapercibido para este artista fallecido en 1998, y este es el punto de partida de la intencionalidad del video “Wolf Vostell and Pablo Alameda”.

Sin introducir elementos demasiado nuevos respecto al artista Alemán, lo material deja paso al simbolismo de un protagonista “la televisión como cabeza pensante”, que se apodera cada vez mas del individuo y se extiende como un virus por la sociedad, la unión de estas dos partes “alma” y “cuerpo” consiguen crear un estado de paz por el cual la capacidad de reacción ante “lo que esta pasando” es nula.


Cada día recorremos un camino lleno de “ruido” en el sentido más estricto de la palabra y descansar es sinónimo de “no pensar nada” frente a la tele o el ordenador, que consiguen llenar la cabeza de sueños inalcanzables que nos hacen ver que de alguna manera hay esperanza por vivir una vida que difícilmente se obtendrá.

Por esto, el ser humano se encuentra hoy en día detrás de una barrera de la que a un lado hay “oscuridad” y del otro, relámpagos de “luz” que nos ciegan por completo.

Hemos olvidado de donde venimos y como se construyen las cosas, el material con el que se hacen o lo que se “destruye” para construir, no importa, ya que nuestro hábitat ya no es ese, ahora nuestro hábitat es un pantalla que te dice que hacer, que pensar y como debería ser tu vida.